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Escuchando el susurro de las mujeres. Ana DMatos, Flore, Jennifer B. Thoreson, Lola Guerrera, Ma Casanova, Tatiana Parcero y Veru Iché
Madrid

Escuchando el susurro de las mujeres. Ana DMatos, Flore, Jennifer B. Thoreson, Lola Guerrera, Ma Casanova, Tatiana Parcero y Veru Iché

BLANCA BERLÍN

Imagen: Jennifer B. Thoreson, Reconciliation, Serie Baptism, 2012

'Porque hay una historia que no está en la historia y que sólo se puede rescatar escuchando el susurro de las mujeres.'

Rosa Montero

Escuchando el susurro de las mujeres reúne un grupo de artistas de distintas nacionalidades, eligiendo como contexto su aportación fotográfica, enriquecida en algunos casos con la instalación y el dibujo.

Ana DMatos (Lugo, España, 1963) presenta  'Formas de Paraíso', un cuerpo de trabajo en el que utiliza técnicas de dibujo, instalación y bordado, y cuya temática orbita en torno al deseo y el erotismo. Las dos series que lo componen, 'Palimpsesto' y 'Paradisaeidae', están inspiradas en el tema de las furias, en particular Ticio, desde la visión de una mujer artista que subvierte la tiranía de Zeus. Los celos, la venganza, el temor, la violación y el castigo son un entramado que no tienen cabida en la oscuridad profunda, que el personaje femenino crea y al que se arroja, en la confianza que nada le puede ocurrir. 'Paradisaeidae' muestra como, en la oscuridad, negro profundo y absoluto, un ave surge y la abraza, la agarra e impide su caída, la ilumina con los colores de su cuerpo. El castigo queda convertido en pasión y deseo, para la eternidad. En 'Palimpsesto', la artista explora la relación de las formas y las palabras y lo hace utilizando fragmentos de un poema de Biel Mesquida inspirado en este trabajo.

Del viaje que Flore (Francia, 1963) realizó de Saïgon a Sadec, de los ríos del Mékong a los arrozales del sur de la Cochinchina, surgió la colección de imágenes incluidas en la muestra, algunas de las cuales recrean la juventud de Marguerite Duras en Indochina. El enmarcado con hilo de plomo y cristal es también una realización artesanal de la fotógrafa de origen español, que vive y trabaja en París.

La norteamericana Jennifer B. Thoreson (Boston, EEUU, 1979) centra su trabajo en entornos artística y meticulosamente labrados. Partiendo de su inspiración en temas como el feminismo, el trabajo social o el estudio de las relaciones personales, Thoreson se convierte en ilustradora emocional del corazón humano mediante elaboradas escenografías que inventa y realiza ella misma con una capacidad innata para sondear el pasado y tratar lo olvidado como tema.

Las fotografías de Ma Casanova muestran el placer y la belleza de lo cotidiano, de todo aquello que nos define como seres humanos. Sus imágenes nos enfrentan, parafraseando a Nerea Ubieto, 'a instantes llenos de belleza simplemente porque nos son propios: la expresión espontánea del amor, la tranquilidad y concentración que experimentamos al leer un libro, el disfrute al contemplar un paisaje, la naturalidad con la que vivimos nuestros momentos en familia' Nos convierten, también, en cómplices de historias anónimas, que aunque no son reflejo de la felicidad soñada, nos pertenecen.'

Lo efímero es el concepto con el que Lola Guerrera (Córdoba, 1982) trabaja en la mayoría de sus proyectos. Sus fotografías retratan escenografías escultóricas que la artista crea únicamente para el momento del disparo, destruyéndolas después en una recreación de los Mementos Moris rescatados de la historia del arte y de aquellos autores que, como ella, experimentaron la necesidad de sentir lo efímero en su proceso creativo. La fotografía que se muestra, 'Cama, 2013', fue Premio Aena en 2014. En sus instalaciones, Guerrera se expresa de una manera más espacial, invitando al espectador a recorrer su obra desde distintos ángulos, pudiendo percibir cada uno de sus detalles.

Tatiana Parcero (Ciudad de México, 1967) muestra dos ejemplos de su serie 'Cartografía interior', en la que explora el cuerpo como forma de autoconocimiento a través de reconstrucciones anatómicas, utilizando la yuxtaposición de acetatos e imágenes en color a modo de rayos X que le permiten ver a través de la piel. Como fondo, iconografías de códices mexicanos que reflejan la cosmogonía de culturas antiguas que representan los órganos humanos como lagos y las venas como ríos.

Cada fotografía, audio o video de Veru Iché (Buenos Aires, Argentina, 1972) es el resultado de una performance oculta al público que intenta comunicarse desde la fragmentación y no desde un producto artístico terminado. Cada silencio o espacio vacío representa una creación, un momento de libertad, originado mediante pautas performativas que Iché transmite a los intérpretes que las van a ejecutar, repitiéndolas reiteradamente hasta ser conducidos a ciertos estados, sensaciones, lenguajes corporales, emociones y pensamientos documentados, después, en forma de fotografías, videos e instalaciones.

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